Спорные шедевры: невидимые скульптуры, психоделический поп-арт и знак доллара на картине Малевича

Некоторые современные шедевры, признанные во всем мире, вызывают неоднозначные, зачастую смешанные чувства: от радости и восторга до недоумения и злости. Редакция Royal Cheese собрала для тебя подборку самых неоднозначных произведений искусства, вызывающих споры среди ценителей прекрасного. 

Основная цель искусства

Искусство создано для того, чтобы удивлять наблюдателя и вызывать в нем бурю эмоций разного спектра: это может быть, в том числе, злость, отвращение, но никак не равнодушие. Художник ждет от тебя эмоций. Пусть это будет восторг или ненависть — неважно. Автор хочет, чтобы ты почувствовал себя живым и полным новых открытий.

Цель искусства в широком смысле — воздействовать на твои чувства, дать тебе пищу для ума и, может быть, изменить твое отношение, а значит, и отношение других к теме или проблеме, которую озвучивает с помощью предмета искусства художник.

Объект искусства — это акт самовыражения творца. Зачастую мастер хочет передать тебе свое состояние, разделить его, быть услышанным. Именно это чаще всего ему нужно от тебя и других зрителей и участников.

Арт-объекты и инсталляции, а также творческие действия в виде перформансов и хеппенингов созданы для того, чтобы быть замеченными. Если никаких особенных чувств задумка мастера не вызывает и не производит малейшего впечатления, то вряд ли она войдет в историю и станет мировым образцом, повторить успех которого будут стремиться все остальные мастера и художники мира.

Содержание многих современных творений не читается сразу и часто требует отдельной трактовки автора или даже группы искусствоведов. Иногда получается так, что пояснение к шедевру несет в себе больше смысла, чем, казалось бы, содержит в себе само произведение. 

«Невыносимая» простота идей

Список необычных, но при этом дорогостоящих картин и скульптур регулярно пополняется, и среди них можно встретить такие экземпляры, которые удивляют своей простотой и примитивностью. Некоторые из них вряд ли можно сравнить когда-нибудь с творениями Микеланджело или Рубенса.

Иногда зрители не скрывают своей злости по поводу простоты идей, которые используют художники, для того, чтобы завоевать всемирный успех и популярность.

В любом случае часто малейшая странность как раз и обеспечивает узнаваемость шедеврам. На аукционах их продают за десятки и сотни тысяч долларов, а некоторые из них входят в десятку самых дорогих шедевров в мире, и стоимость подобных экземпляров может доходить до 200 млн долларов.

За каждым подобным творением мастера кроется смысл, отражающий свойства современной культуры постмодерна. Иначе этим шедеврам не удалось бы стать настолько известными и попасть на гребень волны мейнстрима и успеха.

8 самых странных шедевров современной культуры

Идеи, которые главенствуют над материальным процессом — это и есть отражение современной посткультуры. Расскажем о самых неоднозначных всемирно признанных объектах искусства. 

1. Невидимая скульптура Гарау «Я есть»

Художник из Италии Сальваторе Гарау продал невидимую скульптуру под названием Io Sono «Я есть» за 15 тысяч евро или 1,3 миллиона рублей. По данным Italy 24 News, итоговая цена современного шедевра на аукционе в 2,5 раза выше изначальной. Ты сильно удивишься, но для того, чтобы создать этот эфемерный объект, автор долго смотрел в пустоту и напитывал ее своей энергетикой. 

Гарау заявил, что скульптура есть, хоть ее и невозможно увидеть: он создал ее из энергии, силы воображения и мысли. Работа сможет поместиться только в просторном помещении, а для ее установки необходимо свободное пространство размером 1,5 на 1,5 метра, чтобы никто не задел контуры шедевра. В качестве доказательства о приобретении невидимого объекта покупатель получает сертификат на право собственности. Также к скульптуре прилагается инструкция по хранению. 

По словам автора работы, он хотел сказать, что осязаемость не имеет смысла. К тому же, произведение вечно и не вредит окружающей среде, его нельзя скопировать. Работы этого мастера поймут, увы, не многие. Однако нельзя не признать гениальность Гарау: зачем создавать что-то материальное, если можно продать саму идею, причем гораздо дороже.

2. Невидимая статуя «Будды в созерцании»

У Гарау есть еще один подобный шедевр. В 2020-м году он подарил Милану невидимую статую «Будды в созерцании». Сегодня ее можно увидеть на площади Пьяцца делла Скала, вернее, ее границы, очерченные лентами. На брусчатке ты можешь увидеть прямоугольник, где располагается статуя, как ты понимаешь, выполненная аналогичным образом — силой мысли и энергии.

На самом деле это хорошая метафора на современное общество: люди сейчас покупают идею, а не сам предмет. С точки зрения буддисткой философии, конечно, задумка выглядит привлекательно: автору удалось передать основной буддистский постулат «Все есть ничто» и получить за это кругленькую сумму.

Интересно, чем Сальваторе Гарау удивит нас в следующий раз, но очевидно, что его следующие работы должны оказаться не менее осмысленными и психологичными. 

3. Абстракции Поллока

Для многих абстракции — это странные и непонятные картины, которые ничего не значат, но почему-то стоят при этом очень дорого. Почему же они так популярны и продаются на аукционах за миллионы долларов? Вопрос риторический, но искусствоведы отмечают, что популярность обеспечивает нетривиальный подход.

Все дело в том, как они создаются. Именно в этом секрет их популярности. Помимо будоражащих умы цветовых решений, работы Поллока известны необычным способом работы над полотном. При создании шедевров Поллок мог использовать в качестве кисти все, что попадалось ему под руку: ножи, веревки, палочки, битое стекло и даже веник и совок!

Художник признавался, что ушел от классического набора инструментов и практически не использовал его в работе. Необычные предметы, по его мнению, расширяют арт-возможности и позволяют добиться нетривиального эффекта.

Кстати, его работа «Номер 17А» входит в пятерку самых дорогих картин в мире и стоит, по разным оценкам, около 200 млн долларов. Чтобы создать этот шедевр, художник расплескал краску по холсту.

Недоумение относительно цены и содержания возникает не только у тех, кто не особо разбирается в живописи, но и у некоторых критиков. С другой стороны, обидеть художника может каждый, а вот понять всю тонкость его души мало кому дано. Возможно, эти творения опережают будущее и будут осмыслены только десятилетия и сотни лет спустя, отражая эпоху, в которой они были созданы.

Хотя на самом деле все гораздо проще: мы можем связать высокую оценку подобного творчества с изменениями в культурном коде постреальности, вера в разум в которой, как пишет Бодрийяр, давно умерла.

4. Такаши Мураками «Мой одинокий ковбой»

Японский художник Такаши Мураками работает в жанре психоделического поп-арта. После получения классического образования в Токийском университете изящных искусств он перешел к жанру манги и аниме, которые, на его взгляд, сегодня гораздо дороже японцам, чем классическое искусство.

Его творчество теперь включает в себя живопись, скульптуру, инсталляции, анимацию и широкий спектр коммерческих продуктов. Так, Мураками сотрудничает с Марком Джейкобсом, креативным директором Louis Vuitton. Для LV художник создает сумки и другие товары. Его работы часто располагаются там же, где и дизайнерские сумки, поэтому Такаши Мураками часто называют представителем искусства, который неразличимо слился с коммерцией и сам превратился в дизайн.

Скульптура «Мой одинокий ковбой», отсылающая нас к аниме, создана мастером в 1998 году из металла, стеклопластика, масла и акрила. Она входит в тридцатку самых дорогих объектов современного искусства: на аукционе Sotheby’s ее купили за 15,16 млн долларов. Кстати, название для скульптуры позаимствовано из одноименного фильма Энди Уорхола.

Такаши представил миру достаточно много фигур из стеклопластика, которые будто только что сошли со страниц манги. Кроме того, на самых популярных работах автора можно найти узоры из улыбающихся цветочков. Художник любит яркие цвета и не стесняется с ними экспериментировать. Некоторые считают творческие продукты Такаши Мураками фастфудом и воплощением пошлости, а другие же, наоборот, называют художника главным экспертом по современному японскому искусству и считают его работы лучшими из того, что есть на рынке.

В одном из интервью художник поделился секретом своей популярности и отметил, что выйти в рейтинг лучших мастеров помогут запоминающиеся образы, историческая обоснованность происхождения стиля, немного секса и намек на неотвратимость смерти. Также Такаши посоветовал новичкам мониторить арт-рынок и следить за трендами в искусстве.

5. «Повешанные» Маурицио Каттелана

Еще один широко известный итальянский художник — Маурицио Каттелан (Maurizio Cattelan), 49-летний уроженец Падуи, шокирует зрителей необычными инсталляциями. Слава его носит довольно скандальный характер.

За пределами Италии о Каттелане заговорили весной 2004 года после его инсталляции, которая представляла собой три детских манекена из стеклопластика, повешенных на дубе на одной из улиц Милана. Двум из них разрезал веревки прохожий, третьего сняла полиция.

Вот только работа попала в цель, вызвав бурный общественный отклик и спровоцировав развитие дискуссий на тему допустимости такого искусства. Жители Италии еще долго спорили о том, можно ли творчество Маурицио Каттелана считать акцией в поддержку детей, или о том, например, должен ли уплатить штраф испортивший объекты искусства проходивший мимо гражданин.

В результате состоялся судебный процесс, в ходе которого было защищено право художника на свободу самовыражения, а гражданин был оштрафован на 309 долларов и приговорен к двум месяцам тюрьмы.

6. «Капут» Маурицио Каттелана

Художник может стать популярным, только если ему удается вызвать широкий общественный резонанс. О нем говорят повсюду, а чтобы посмотреть его работы, выстраиваются очереди. А вот какую реакцию вызвал творец — уже неважно. Публика может восхищаться или высказывать возмущение, иногда даже отвращение к представленной композиции. Но о работе художника говорят, и это залог успеха.

Еще одна известная работа итальянца Маурицио Каттелана — Kaputt была представлена на швейцарской выставке Fondation Beyeler.  

Если в зоологических музеях мы можем увидеть чучела животных в максимально естественных позах, то Маурицио использовал тело лошади в довольно неприглядном виде, выбрав в качестве арт-объекта заднюю часть ее корпуса.

Причем одной лошади, торчащей из стены и представленной автором на выставке в 2007 году, ему показалось недостаточно, поэтому он решил спасти ее от одиночества и добавил к композиции, располагавшейся на кипенно-белой стене, еще несколько скакунов, и теперь их стало пять.

Очередная провокация Каттелана привлекла к себе внимание широкой аудитории и нарушила спокойствие, вызвав бурю обсуждений и разговоров.

7. Коллажи Ричарда Принса

Ричарда Принс работает в жанре апроприационизма, что означает открытое заимствование и использование в своем творчестве чужих идей и образов. Подобные арт-объекты заставили людей задуматься над тем, кому все же должны принадлежать лавры авторства.

Может ли Принс считаться автором работ, если он использует образы, которые создал не он? Ведь все, что он делает — это решает, как и под каким соусом подать интеллектуальный продукт других художников.

Фотограф из Франции, Патрик Карью, в 2008 году обвинил Принса в нарушении авторских прав, поскольку последний использовал работы Патрика при создании серии коллажей Canal Zone. В 2011 году федеральный суд признал художника виновным в незаконном использовании изображений, однако апелляционный суд отменил это решение, признав, что работы Принса «демонстрируют совершенно иную эстетику», чем исходные фотографии, а значит, использованы добросовестно.

Адвокат Джош Шиллер, который представлял интересы апроприациониста Принса в суде, отметил, что это решение «хорошая новость, важная не только для Принса, но и для всех художников».

8. Знак доллара на картине Малевича

Искусствоведы до сих пор спорят, является ли действие акциониста Александра Бренера жестом, который можно трактовать как свободу самовыражения художника, или все же это вандализм.

В начале 1997 года Александр Бренер, акционист из Москвы, нарисовал знак доллара на картине «Белый крест на сером фоне» Казимира Малевича, шедевре, представленном в коллекции русского авангарда в амстердамском музее «Стеделийк».

По мнению редакторов журнала о современном искусстве Flash Art, Бренер добавил картине Малевича «новый эстетический компонент», а вот участники петербуржской «Новой академии» назвали акцию «оскорблением культуры». Бренер отсидел в тюрьме Голландии 5 месяцев. По мотивам его акции через год после события был снят фильм «Суд над Брунером».

Похожим образом в октябре 2012 года в галерее «Тейт Модерн» в Лондоне 26-летний художник Владимир Уманец на глазах у десятков свидетелей «подписал» многомиллионное полотно Марка Ротко.

Владимир подошел к картине «Черное на коричневом» и быстро нанес черную надпись «Владимир Уманец’12. Потенциальное произведение желтизны». При этом после того, как парень расписался на полотне, он не стал скрываться, а спокойно сидел напротив картины на банкетке и любовался обновлением картины. И лишь после этого он покинул музей. Как прокомментировал Уманец, его подпись маркером только увеличила стоимость картины. Музей подал на Владимира в суд с обвинением в «нанесении ущерба на сумму, превышающую пять тысяч фунтов стерлингов».

Идеи правят миром

Таким образом новая реальность несет в себе смысл превосходства идей над материальными вещами, главенства информации и востребованности интеллектуальных продуктов. Акция художника может подогреть интерес к картине и быть воспринята сама по себе как акт искусства. 

Художники стремятся привлечь к себе и своим работам внимание общества, быть обсуждаемыми. Они поднимают спорные темы, заставляют задуматься о ценностных ориентирах, стремятся выразить через свои работы то, что волнует их самих.

Многие работы художников напоминают нам сегодня о смене ценностей, ведь в любом случае через свое творчество авторы транслируют и запечатляют на века те перемены, которые вызваны переходом в эпоху постмодерна. Те же невидимые картины и скульптуры — это новый жанр, который появился исключительно в эту эпоху. Но это неудивительно.

Именно за производством нематериального — идей по совершенствованию производств, сокращению издержек компании, разработке новых продуктов и услуг — стоит сегодня наибольшее количество капитала, чем при производстве единичного штучного продукта. Если, конечно, он не является достаточно эксклюзивным и качественным, чтобы конкурировать на рынке.

Впрочем, это отражается во всем — в нашей работе, в которой не остается места для ручного труда, где машины постепенно заменяют нас практически во всех сферах. И это на самом деле только начало. Той же уборкой дома уже сегодня может заниматься робот-пылесос, а автоматическая поилка обеспечит запас воды у домашнего питомца в момент отсутствия. Не говоря уже о возможностях системы умного дома, устройство которой, например, позволяет налить воду в чайник и подогреть его в момент, пока ты еще на работе, или набрать к твоему приходу ванну с горячей водой.

То, что казалось нам фантастикой несколько десятилетий назад, становится реальностью. Не стоит недооценивать возможности мира идей, которые рано или поздно могут быть воплощены в реальность.